CARMEN

Andy Coolquitt

2011-11-07T13:41:00.001-08:00

Andy Coolquitt (né au Texas en 1964), vit et travaille entre New York et Austin ...

Ovid Uman, parcours ateliers Bagnolet

2011-09-24T12:43:00.000-07:00

The Clock, Christian Marclay, centre Pomidou

2011-09-02T06:49:00.000-07:00

Après Londres, New York et Venise, le Centre Pompidou accueille The Clock de Christian Marclay pour une projection exceptionnelle qui se déroule en continu nuit et jour du samedi 3 septembre à 11h00 au lundi 5 septembre 2011 à 11h (accès libre).

The Clock est une œuvre vidéo d'une durée de 24 heures, spectaculaire, hypnotique, une horloge, un mécanisme cinématographique réglé avec précision pour indiquer l'heure en temps réel, synchronisé sur le fuseau horaire correspondant au lieu d'exposition. Grâce à la technique du fragment qui lui est chère, Christian Marclay orchestre des milliers d'extraits, puisés dans toute l'histoire du cinéma, des comédies en noir et blanc des années quarante aux séries B des années quatre-vingt-dix, des films d'avant-garde des années soixante aux films à suspense des années quatre-vingts et qui tous rendent visible le temps qui passe à travers une myriade de plans d'horloges, de réveils, d'alarmes, de montres, d'actions ou de dialogues illustrant cet implacable écoulement.
Le spectateur a alors l'impression d'assister à une fiction en temps réel. Ce qui relève d'un coup d'œil furtif sur les horloges devient ici une exploration illimitée de la nature illusoire du temps et de la façon dont nous l'appréhendons. Le son joue sa propre partition. Christian Marclay l'utilise comme un liant, une symphonie de sonneries, de tic-tac, de pas, de cris, rires et pleurs, de musique. Les équivalents formels entre le temps et la musique deviennent sensibles et The Clock devient une œuvre musicale, nous rendant captifs, aux aguets, de ses sonorités bruitistes qui se confondent avec notre propre pulsation. The Clock devient un gigantesque memento mori.
Cette œuvre a constitué un des événements de la 54ème Biennale de Venise où Christian Marclay s'est vu décerner le Lion d'or du meilleur artiste. Ce film de vingt-quatre heures exerce, en effet, une attraction considérable sur tous ceux qui ont pu le découvrir.

Sculpteur, musicien, performeur, photographe, vidéaste, Christian Marclay, né aux États-Unis en 1955, développe depuis trente ans une œuvre polymorphe. De la même manière qu'il extrait des samples des disques vinyles pour inventer d'autres compositions musicales, il développe cette pratique de l'emprunt, de la citation dans ses œuvres vidéos.

Sous le vent de l'Art Brut, Collection Charlotte Zander,La Halle Saint Pierre

2011-02-13T07:08:00.001-08:00

La Halle Saint Pierre accueillera du 17 janvier au 26 août 2011 une partie de la collection Charlotte Zander.

Abritée au château de Bönnigheim, en Allemagne, cette collection unique et riche de 4 000 œuvres, dédiée à l’art outsider, est historique. En effet, elle rassemble un grand nombre de créateurs fous, naïfs, visionnaires, autodidactes de toute sorte qui se sont imposés sur la scène de l’art moderne et en ont bouleversé l’esthétique. Cette collection est également pionnière dans son esprit, car elle a œuvré à défendre et célébrer, au-delà des catégories de l’art brut, de l’art naïf et de l’art singulier, cette large famille des créateurs marginaux, qui ont inventé des manières révolutionnaires de penser et de peindre.

Erwin Wurm à la galerie Thaddaeus Ropac

2011-02-12T13:37:00.000-08:00

7 RUE DEBELLEYME, 75003 PARIS FRANCE
TEL 331 4272 9900 FAX 331 4272 6166
galerie@ropac.net

TUESDAY-SATURDAY, 10AM-7PM
http://www.ropac.net/exhibitions/2011_1_erwin-wurm/

Louise Bourgeois à la Maison de Balzac

2011-01-23T12:14:00.000-08:00

Louise Bourgeois à la Maison de Balzac

[17/11/2010]

Louise Bourgeois : Moi, Eugénie Grandet... Louise Bourgeois, artiste majeure de la scène contemporaine décédée le 31 mai dernier à New York, avait souhaité profiter de l’intimité de la Maison de Balzac pour présenter ses oeuvres dédiées à Eugénie Grandet. Une exposition à découvrir du 3 novembre 2010 au 6 février 2011.

Louise Bourgeois pour The Guardian Newspaper, Londres, 19 septembre 2009.

"I'm working on a show about Eugénie Grandet for the Maison de Balzac in Paris, opening next november. I love that story. It could be the story of my life."

Cette création originale spécialement conçue pour le musée, ne se veut pas une confrontation avec le personnage d’un des plus célèbres romans de Balzac mais bien l’expression d’une « identification récurrente », selon les propres termes de l'artiste avec « celle à qui l’on ne donna jamais la chance de grandir ».

Entièrement fondée sur la mémoire et les « motivations enfantines », l’œuvre de Louise Bourgeois est autobiographique. Au service de l’inconscient, son art cathartique renvoie aux relations mère - enfant ou père - enfant. [En savoir + sur la vie et l'oeuvre de Louise Bourgeois, sur le site Wikipédia].
Eugénie Grandet, célèbre dès sa publication en 1833, met en scène le père Grandet, vigneron d’une avarice instinctive, sa femme que l’insensibilité de son mari écrase et finit par tuer, et sa fille Eugénie, douce, bonne et aimante qui, déçue dans ses sentiments, se referme sur elle-même et devient une vieille fille charitable mais amère. Le roman de Balzac traite donc de la famille, de l’adolescence, de la douleur et de la solitude : autant de thèmes que Louise Bourgeois, se disant non pas féministe mais « s’occupant du féminin », a explorés sans relâche depuis ses premières peintures, à la fin des années 1930.

Rien d’étonnant donc à ce qu’Eugénie Grandet soit un personnage central dans la genèse de l’œuvre de Louise Bourgeois, qui y voit « le prototype de la femme qui ne s’est pas réalisée. Elle est dans l’impossibilité de s’épanouir. Ce personnage de Balzac est la prisonnière de son père qui avait besoin d’une bonne. Son destin est celui d’une femme qui n’a jamais l’occasion d’être une femme… ».

Revenant à la broderie, technique féminine par excellence mais surtout mode de création lié au souvenir de sa mère tisserande, Louise Bourgeois nous livre plusieurs séries d’œuvres qui évoquent le temps qui passe, les occupations inutiles, le flétrissement, la solitude.Une incroyable poésie – non dépourvue d’humour – se dégage de cet art de l’intime, du secret, chez une artiste qui ne travaille que dans l’isolement.

Cette exposition marque ainsi la rencontre de deux très grands artistes qui, bien qu’éloignés dans le temps et l’espace, se rejoignent par leur puissance d’analyse, leur lucidité et leurs efforts pour identifier les ressorts les plus profonds et les plus secrets de l’âme humaine.

ACNE LAUNCHES WHITE / ART T-SHIRT PROJECT

2010-11-20T13:49:00.000-08:00

ACNE LAUNCHES WHITE / ART T-SHIRT PROJECT
“Acne is built on different creative disciplines, so for me to fuse fashion and art is super interesting”
Jonny Johansson

Acne in collaboration with Aileen Corkery and Laura Burlington launch the ACNE WHITE / ART T-SHIRT PROJECT, a non-profit project set up to support emerging artists. Four artists will be commissioned to interpret the Acne white t-shirt, creating limited edition t-shirt designs available at galleries and ACNE studios worldwide. The proceeds from the sale of the t-shirts will go to a fund to support emerging artists in the publishing of their first monograph - a critical study of their work. The two-year project launches with the t-shirt by London-based artist Stefan Brüggemann in Mid- November.

The Evening

Following the lunch, Acne hosted a “Fatasia Fiesta Flamenco” to celebrate the collaboration with Candy Magazine and the transvestite trangender and cross dressing collection. (See release)

Sebastien Preschoux

2010-11-03T13:48:00.000-07:00

Sébastien Preschoux, 34 ans, vis et travaille à Paris. Pratique la double activité de graphiste et artiste. Son activité artistique est basée sur le travail de la ligne. Il produit manuellement, grâce à des outils et matériaux traditionnels, ce que la machine ou l’outil informatique peut réaliser en quelques secondes.

son site: www.m-vs-m.com.

Simon Schubert

2010-11-02T12:56:00.000-07:00

It is quite amazing what Simon Schubert created by just making some folds in sheets of paper.

http://www.simonschubert.de/

Haroshi, gallery jonathan levine, New York, from the 16th April-14th May 2011

2010-10-27T02:02:00.000-07:00

Haroshi makes his art pieces recycling old used skateboards. His creations are born through styles such as wooden mosaic, dots, and pixels; where each element, either cut out in different shapes or kept in their original form, are connected in different styles, and shaven into the form of the final art piece. Haroshi became infatuated with skateboarding in his early teens, and is still a passionate skater at present. He knows thoroughly all the parts of the skateboard deck, such as the shape, concave, truck, and wheels. He often feels attached to trucks with the shaft visible, goes around picking up and collecting broken skateboard parts, and feels reluctant to throw away crashed skateboards. It’s only natural that he began to make art pieces (i.e. recycling) by using skateboards. To Haroshi, his art pieces are equal to his skateboards, and that means they are his life itself. They’re his communication tool with both himself, and the outside world.

The most important style of Haroshi’s three-dimensional art piece is the wooden mosaic. In order to make a sculpture out of a thin skateboard deck, one must stack many layers. But skate decks are already processed products, and not flat like a piece of wood freshly cut out from a tree. Moreover, skateboards may seem like they’re all in the same shape, but actually, their structure varies according to the factory, brand, and popular skaters’ signature models. With his experience and almost crazy knowledge of skateboards, Haroshi is able to differentiate from thousands of used deck stocks, which deck fits with which when stacked. After the decks are chosen and stacked, they are cut, shaven, and polished with his favorite tools. By coincidence, this creative style of his is similar to the way traditional wooden Japanese Great Buddhas are built. 90% of Buddha statues in Japan are carved from wood, and built using the method of wooden mosaic; in order to save expense of materials, and also to minimize the weight of the statue. So this also goes hand in hand with Haroshi’s style of using skateboards as a means of recycling. Also, although one is not able to see from outside, there is a certain metal object that is buried inside his three-dimensional statue. The object is a broken skateboard part that was chosen from his collection of parts that became deteriorated and broke off from skateboards, or got damaged from a failed Big Make attempt. To Haroshi, to set this kind of metal part inside his art piece means to “give soul” to the statue. “Unkei,” a Japanese sculptor of Buddhas who was active in the 12th Century, whose works are most popular even today among the Japanese people; used to set a crystal ball called “Shin-gachi-rin (new moon circle)” in the position of the Buddha’s heart. This would become the soul of the statue. So the fact that Haroshi takes the same steps in his creation may be a natural reflection of his spirit and aesthetic as a Japanese.

BASQUIAT

2010-10-16T14:50:00.000-07:00

BASQUIAT

Musée d'Art Moderne

15octobre, 30 janvier

Cette rétrospective est présentée à l’occasion du cinquantième anniversaire de la naissance de l'artiste. C'est la première de cette envergure en France.

D’origine portoricaine et haïtienne, né en 1960 à Brooklyn dans l’Etat de New York et mort à New York en 1988 à la suite d’une overdose à l’âge de vingt-sept ans, Basquiat appartient à la génération des graffiteurs qui a brusquement émergé à New York à la fin des années 70. En 1977, il commence à signer ses graffitis du nom de SAMO (pour « Same Old Shit ») accompagné d’une couronne et du sigle du copyright. Au cours de sa fulgurante carrière, sa peinture passe de la rue au tableau.

Son univers mélange les mythologies sacrées du vaudou et de la Bible en même temps que la bande dessinée, la publicité et les médias, les héros afro-américains de la musique et de la boxe, et l’affirmation de sa négritude. Il définit ainsi une contre-culture urbaine, underground, violente et anarchique, pétrie de liberté et de vitalité. En 1982, Basquiat est invité à participer à la Documenta 7 de Kassel en Allemagne. L’année suivante, il est le plus jeune et premier artiste noir à exposer à la Biennale du Whitney Museum of American Art à New York.

À partir de 1984, il réalise en commun des peintures avec Andy Warhol jusqu’à la mort de ce dernier en 1987.S’étant toujours défini comme un peintre influencé par son environnement urbain quotidien, les racines de sa pratique «expressionniste primitiviste» sont à trouver du côté d’une peinture européenne d’après-guerre, celle de Jean Dubuffet, réfractaire à l’«asphyxiante culture» ou celle de Cobra, ainsi que du côté de la grande tradition américaine de Robert Rauschenberg à Cy Twombly. Après sa mort prématurée en 1988, il laisse une œuvre considérable habitée par la mort, le racisme et sa propre destinée. Sa vie brûlante et explosive, mêlant le star-système et la révolte, a inspiré en 1996 le film « Basquiat » du peintre et cinéaste Julian Schnabel. En 1984, le musée d’Art moderne de la Ville de Paris avait déjà présenté Jean-Michel Basquiat dans une exposition collective consacrée au mouvement de la Figuration Libre France/USA, aux côtés de Robert Combas, Hervé Di Rosa, Keith Haring.

Cette rétrospective composée d’une centaine d’œuvres majeures (peintures, dessins, objets) provenant de nombreux musées et de collections particulières américains et européens, permet de reconstituer le parcours chronologique de l’artiste et de mesurer son importance dans l’art et dans l’histoire de l’art au-delà des années 80.

L’exposition Basquiat a été conçue par la Fondation Beyeler à Bâle - où elle a d'abord été présentée (9 mai - 5 septembre 2010) -, et organisée en collaboration avec le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. C'est la première exposition de cette ampleur jamais consacrée à Basquiat.

"In der Konditorei"

2010-10-16T14:45:00.000-07:00

Marcel Hüppauff "In der Konditorei"

Du 14 octobre au 13 novembre 2010

La galerie Polad-Hardouin est heureuse d’accueillir Marcel Hüppauff pour sa première exposition individuelle à Paris du 14 octobre au 13 novembre 2010.

Après avoir participé à l’exposition Holy Destruction, Marcel Hüppauff, comme l’ensemble de ses condisciples de cette nouvelle génération de peintres, assume avec intensité et agressivité la peinture comme moyen et but.

Né en 1972 à Stuttgart, Marcel Hüppauff suit d’abord un classique cursus d’histoire de l’art, avant de participer, à Hambourg aux activités alternatives de l’Akademie Isotrop, avec notamment des artistes comme André Butzer ou Jonathan Meese.

Dans cette lignée et sous l’influence tutélaire d’un Asger Jorn, Marcel Hüppauf nous propose, pour cette exposition au titre intrigant et ironique « In der Konditorei » (A la pâtisserie), de savoureuses et étranges confiseries.

Plongée dans un ensemble aux couleurs sourdes, dominantes de bleu et de vert, l’ambiance est délibérément nocturne. On assiste à de mystérieuses sarabandes, conférences d’oiseaux, épouvantails, fantômes, lutins facétieux, maisons hantées, montagnes, forêts… Enfin, un homme apparaît. Le regard ahuri, comme perdu, il sera le seul homme présent de cette exposition mais en toile de fond : encore des animaux fantasmagoriques qui sont autant de rêves que de souvenirs. Pourtant, si l’on regarde attentivement la nuit de Marcel Hüppauff, elle n’est pas faite d’inquiétude, au contraire son monde est tendre, enfantin, débordant d’exubérances. D’ailleurs sa touche est fluide, rapide, parfois presque inachevée proche d’un coloriage....

Marcel Hüppauff, tel un Saint François d’Assise, préfère le langage poétique des oiseaux à celui des hommes, il avoue d’ailleurs : « Maybe the birds are angels or maybe the angels are birds... but in the end it’s all just color and canvas. »

Jonathan Callan

2010-10-16T14:41:00.000-07:00

Jonathan Callan est un artiste anglais né à manchester et maintenant basé à Londres. Son travail est tout à fait varié,cependant beaucoup de ses œuvres utilisent des livres et le papier comme un moyen sculptural.
D'autres œuvres utilisent le livre blanc simple combiné avec la colle ou le plâtre pour créer une forme seule. Callan est actuellement représenté par le fourgon kudlek der grinten la galerie à Cologne.

SOUS LE MANTEAU, Etienne-Martin, Beaubourg

2010-08-15T14:35:00.000-07:00

MUSÉE NATIONAL
D’ART MODERNE
GALERIE DU MUSÉE,

"SOUS LE MANTEAU "
DU 23 JUIN
AU 13 SEPT. 2010
"Identifié dès 1960 à ses Demeures, étranges
sculptures-habitats conçues pour être vi-
sitées « en imagination » par le spectateur,
célèbre pour être l’auteur du Manteau (1962,
voir ci-contre), première sculpture en tissu
de l’histoire de l’art moderne, Étienne-
Martin (1913-1995) est pourtant resté
longtemps une figure à part du monde de
l’art parisien, à la fois débonnaire et énig-
matique. Le Centre Pompidou lui consacre
aujourd’hui un hommage à travers la pré-
sentation d’un ensemble de quinze sculp-
tures, des dessins, des carnets personnels
et des photographies de son atelier.
C’est dans la matière de ses souvenirs
d’enfance, liés à sa maison natale de
Loriol, dans la Drôme, que l’artiste re-
connaîtra lui-même avoir construit son
œuvre. Il établit entre ses sculptures et cet-
te première demeure des correspondances
qu’il est souvent le seul à pouvoir déchif-
frer. Fasciné par l’œuvre et le personnage,
le célèbre commissaire d’exposition Harald
Szeemann fera de lui l’un des artistes clés
de la section « Mythologies individuelles »
qu’il met en scène à la Documenta V de
Kassel, en 1972. " extrait programme expo

Babeth rambault

2010-06-03T01:06:00.001-07:00

La peau de l'ours, 2002
Lit de pull pour chambre froide, 2003

http://babeth.rambault.free.fr/lit%20de%20pull.html

ESTELLE HANANIA MYRIORAMA 20.05 au 30.06 FAT GALLERIE

2010-05-28T15:05:00.001-07:00

"MYRIORAMA est la seconde exposition personnelle d’Estelle Hanania à la FAT Galerie: l’exposition a lieu du 20 mai au 30 juin 2010.

Le travail photographique de cette artiste puise sa matière dans les cultures et traditions populaires, rituels païens, et autres célébrations ancestrales encore pratiquées de nos jours. Explorant les rapports entre homme et nature, elle suit les traces de cortège mi-humain mi-végétal. A travers son objectif, la photographe retranscrit l'aspect primitif et fondamental de ces cultes étranges. Les images frôlent l’abstraction. Se dressent de gigantesques personnages aux longs poils blancs et noirs faisant onduler dans une transe impressionnante leur corps devenus de vraies sculptures transgenres et inquiétantes.

Tout aussi sauvages, des masques composés d’oiseaux entiers déployant leurs ailes,
gigantesques assemblages organiques, semblent prendre leur envol.

Estelle Hanania est née en 1980. Elle vit et travaille à Paris.
Diplômée du DNSAP, Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris et de l'Ecole Estienne d’Arts graphique de Paris. Elle a participé à de nombreuses expositions en France et à l'étranger.

La galerie & Estelle Hanania remercient PICTO de son soutien

Dossier de presse disponible sur demande:
aurelia@fatgalerie.com ou 01 44 54 00"
Extrait de la bio sur le SITE
http://fatgalerieactu.blogspot.com/

ESTELLE HANANIA MYRIORAMA 20.05 au 30.06 FAT GALLERY

2010-05-28T15:05:00.000-07:00

lucian freud, l'atelier

2010-04-05T13:02:00.000-07:00

Expositions au Centre

Pompidou 10 mars - 19 juillet 2010
11h00 - 21h00

"Lucian Freud, aujourd'hui âgé de 88 ans, est une figure de la peinture contemporaine. Cet artiste, parmi les peintres vivants les plus importants au monde, n'avait pas été exposé en France depuis la première rétrospective que lui avait consacrée le Centre Pompidou en 1987. Hommage inédit, l'exposition présente un ensemble exceptionnel de tableaux retraçant son œuvre : une cinquantaine de peintures de grand format, complétées par une sélection d'œuvres graphiques en provenance, pour la plupart, de collections particulières, ainsi que des photographies de l'atelier londonien de l'artiste." extrait du catalogue

A'N'D

2010-03-14T13:57:00.000-07:00

"Azumi and David both studied fashion at Central Saint Martins, London but met in The Troubadour Coffee House, in London's Earl's Court in May 1995. They got married in Hackney Town Hall, London on March 10th, 2000 and had their wedding reception on October 14th, 2001 in Nagano, Japan. They celebrate birthdays on the 8th and 10th April, designating April 9th as A'N'D day.

Since first coming together in 1995, Azumi and David have progressed through a variety of creative projects - initially with limited edition artist's books and performance art, moving gradually on to fashion and accessory associated 'things to wear'."

extrait du site
http://www.azumianddavid.com

ACNE debut Furniture Collection Autumn/Winter 2010-2011

2010-01-27T11:31:00.000-08:00

January 24th at Hotel POZZO DI BORGO , Paris

"Furniture has always been my world and it is my history as a designer, where I began creatively. Sometimes I an asked wheat is Swedish design, and i always think of the creative Collective-The NK Group- an incredibly influential collective of furniture designers, based in Stockholm during the 1920's to the 1940's. The NK Group is what Swedish design encapsulates for me -functionality, creativity, object and craftmanship." Jonny Johansson
Extrait du dossier de presse

Andy Goldsworthy, Woven beech, 1986

2010-01-02T14:56:00.000-08:00

Andy Goldsworthy est un artiste britannique, né dans le Cheshire le 26 juillet 1956, qui produit des sculptures dédiées à des sites spécifiques urbains ou naturels. Il est l'un des principaux artistes du Land Art et utilise des objets naturels ou trouvés pour créer des sculptures éphémères ou permanentes qui font ressortir le caractère de leur environnement.À l'instar de nombreux artistes du Land Art, Andy Goldsworthy considère ses œuvres comme de l'« art éphémère », le temps de dégradation pouvant varier de quelques secondes à plusieurs années : sculptures de glace qui ne durent qu'une saison, sculptures de sable sur une plage disparaissant à la première marée, constructions de pierre ou de métal qui ne subissent qu'une entropie naturelle.

La Maison aux miroirs de Clarence Schmidt (1897-1978) à Woodstock (détruite).

2010-01-02T12:47:00.000-08:00

Clarence Schmidt, né en 1898, maçon dans l'Etat de New York, a consacré douze heures par jour pendant trente ans à l'édifications d'un ensemble architectural dans un vaste parc qui a lui même fait l'objet d'interventions singulières.
Cet ensemble a été malheureusement détruit par un incendie. La partie maîtresse était une maisonde sept étages et de trente-cinq pièces.

"TRY TO FORGET ME" galerie polad hardouin, 5 novembre 16 janvier 2010

2009-11-08T11:50:00.000-08:00

Humberto Poblete-Bustamante, "try to forget me"
Humberto Poblete-Bustamante,"the brave poet Allen" 2008

2009-11-07T12:09:00.000-08:00

"Diplômé de l'Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris en 1995, s’installe à Berlin en 1997 et participe activement à la vie artistique alternative. Depuis 2000 vit et travaille à Londres. La galerie lui consacre sa première exposition personnelle.
Tourbillons de couleur, superpositions de couches épaisses et fluides, la mise à nu de la matérialité de la peinture et la rapidité d’exécution caractérisent le travail de cet artiste chilien né en 1966. Dans ses toiles récentes inspirées à la fois de l’histoire, de la littérature et de la poésie, la touche nerveuse et la ligne dynamique se conjuguent pour structurer la composition. Ses toiles sont des projections oniriques au grotesque troublant. “Poblete-Bustamante fabrique sa propre réalité magique, qui est aussi sinistre que comique, comme peut-être chez Lewis Carroll, Edward Lear, ou Boulgakov (...) On y trouve des sorcières et des chats facétieux, des poètes décadents, des dandies sans sou vaillant, des banquets en décomposition, des grotesques débarquant d’un pas enjoué d’une commedia dell’arte, des paillardises cacophoniques, une fiction coagulée, en vérité un cataclysme jovial ou une « joyeuse apocalypse».” (Adrian Dannatt, extrait du catalogue de l’exposition)." source http://www.polad-hardouin.com

André Butzer, Galerie XIPPAS, Paris, 31oct 5 dec

2009-11-01T08:21:00.000-08:00

Untitled 2009
Untitled 2008

La galerie Xippas a le plaisir de présenter la première exposition personnelle en France de André Butzer, l’un des peintres les plus importants de la jeune scène allemande contemporaine.

"Lors de son premier contact avec le travail d’André Butzer, le spectateur se trouve face une structure qui semble anarchique où les motifs se mêlent dans un chaos de couleurs éclatantes.

Influencé par la peinture néo-expressioniste allemande dans la lignée de Albert Oehlen et Werner Büttner, les œuvres d’André Butzer, souvent qualifiées d’« expressionniste de science fiction », produisent une réalité artificiellement exagérée et aux formes parfois grotesques.

De l’histoire de l’art à l’histoire des états, de Munch, Pollock, Baselitz, au National Socialisme, et de Siemens à Walt Disney, les références de Butzer à l’histoire américaine et allemande, à la politique contemporaine et historique, à la hiérarchie économique et sociale, à l’industrie du divertissement, la technologie et la science-fiction, sont innombrables."

source http://www.xippas.com/

Anish Kapoor, Royal Academy of Art London , 26 september 11 december

2009-10-30T03:23:00.000-07:00

'Shooting into the Corner', 2008-09. Mixed media, dimensions variable

The Royal Academy of Arts presents
a major solo exhibition of the work
of the internationally acclaimed artist
Anish Kapoor, winner of the 1991 Turner
Prize and one of the most influential
and pioneering sculptors of his generation.

Le Brouillard du Dr. Keramic

2009-10-23T02:46:00.000-07:00

Une exposition présentée par Silverbridge
Jonathan Meese et Juli Susin
avec Guðný Guðmundsdóttir, Véronique Bourgoin, Roberto Ohrt
Exposition du 21 octobre au 6 novembre 2009
Chez Jean-Claude Binoche
24 Place des Vosges 75003 PARIS

"L’exposition montre un choix de sculptures en céramique crées à l’occasion des rencontres régulières entre les artistes depuis 2005, dans le prestigieux Atelier de céramique Ernan, à Albisola, en Italie. Présenté comme le butin d’une archéologie exorciste, exhumé, excavé et déchiffré, chaque groupe de sculptures est en même temps une équation algébrique, qui commanderait une porte entre l’intérieur et l’extérieur de l’Histoire semblable au mythe d’Isis ou au personnage de Marguerite dans le roman de Boulgakov. L’actuelle présentation se hante dans un lieu singulier et historique de Paris, dans un pavillon unique Place des Vosges, mis à la disposition par Jean-Claude Binoche, célèbre commissaire priseur et collectionneur d’art enthousiaste. " extrait du dossier de presse
Jean-Claude Binoche - escalier A
24 Place des Vosges 75003 PARIS
Du 21 octobre au 6 novembre 2009
Ouvert du lundi au samedi entre14h30 et18h30 et sur rendez-vous
Contact : Maya De Rossi Email : drkeramic@gmail.com Tel : 00 33 (0)6 42 56 90 43

GERWULF interprétant Karawane de Hugo Ball (1916), 2008

2009-10-13T12:26:00.000-07:00

Depuis les années 1970, sous la forme de livres, de lectures, d'actions et d'interventions, de rencontres de cercles et revues, Gerwulf réalise un vieux projet qu'il nomme en 1990 "Patata" (patatologie) ou"PTT" (Poésie totalement totale) où l'ensemble de ces activités s'articulent globalement dans une sphère en mouvement permanent. En 1991, il fonde la "Nomadique Université" et en mai 1997 le festival "Mille voix, 1000 voies" et l'encyclopedia de l'Eternal Network. Ecrivain d'essais, pneumaticien, peintre oral, coureur de vitesse de fond, tailleur de mots, il apparaît sous la forme d'El Coyote et de Loup-garou comme chanteur archaïque du chant-cri. Gerwulf, fondateur et gardien de l'Imperium Angelicum Magnificum (IAM) ou de l'Imperium Asinum Magnificum (IAM) est l'ancètre carolingien du Dauphinois Michel Giroud, historien et théoricien des avant-gardes, auteur d'essais sur Audiberti, Nougaro, Vostell, Haussmann, Gette, Filliou, Fourier.r

"L'ombrello de la condition humaine" 1965

2009-10-07T12:50:00.000-07:00

Giovanni Battista Podestà est né en 1895 à Torre Pallavicina, un petit village de Lombardie. Son père meurt lorsqu'il est enfant et la famille nombreuse (il a douze sœurs) mène une existence des plus modestes. Pour subvenir à ses besoins, il quitte l'école à dix ans et se fait engager comme aide-maçon.
La Première Guerre mondiale éclate, Podestà est mobilisé, envoyé au front. Il a vingt ans. A son retour, sa réinsertion sociale est difficile. L'expérience de la guerre l'a vivement marqué, le peu de terres que possède sa mère ne suffit pas à entretenir toute la famille et la campagne lombarde n'offre pas de travail. Ces circonstances l'obligent alors à se faire engager comme carabinier. Il est envoyé à Laveno, une petite ville au bord du Lac Majeur où il se fera embaucher plus tard comme manœuvre dans une importante fabrique de céramiques. A l'univers rural se substitue l'univers urbain.
En 1939, Podestà est enrôlé à nouveau. Cette guerre, davantage encore que la première, laissera chez lui de profondes et durables cicatrices morales. Podestà crée alors une œuvre protestataire, s’insurgeant contre la perte des valeurs symboliques de la société matérialiste. Il réalise des sculptures, des hauts et des bas-reliefs qu’il confectionne dans son atelier, installé dans la cave de l’immeuble où il habite avec sa famille. Il intervient également sur le mobilier et sur les murs de son petit appartement. Podestà utilise aussi son corps comme support d’expression. Sa chevelure retombe sur ses épaules, il porte une longue barbe, revêt des costumes et se pare d’accessoires confectionnés par ses soins, pour défiler dans les rues de Laveno. Giovanni Battista Podestà meurt en 1976, à l'âge de 81 ans.

Ever Manifesto 01

2009-10-05T13:04:00.000-07:00

Earlier this year, the Italien artist Michelangelo Pistoletto, alogside Franca Sozzani, invited 11 fashion designers to the Cittadellarte Fondazione and presented them with the challenge of producing one look from a selection of ethically sourced Italien textiles.Here, Pistoletto elaborates on his philosophy of the Third Paradise and the thinking behind the Cittadellarte.
Fashion: Bio Ethical Sustainable Trend exhibition.

Dead Bird 1943 Lucian Freud

2009-10-02T13:58:00.000-07:00

"holy destruction" Galerie Dominique Polad-Hardouin

2009-09-30T07:58:00.000-07:00

"Ein Falscher Zauber", 2088

Marcel Hüppauff vit et travaille à Hambourg.
"Des monstres mi animaux et mi humains peuplent les toiles, composant un monde fantastique.Primitivisme, expressonnisme, surréalisme, cet artiste navigue entre différentes formes artistiques afin de redonner toute sa place à l'imagination" extrait du catalogue de l'exposition "holy destruction"

2009-09-29T14:54:00.000-07:00

2009-09-26T07:28:00.000-07:00

Maurice Scheltens LIBERATION STYLES 2007

2009-09-22T13:10:00.000-07:00

Écrivain, dessinatrice et peintre, Marguerite Burnat-Provins (1872–1952) est une artiste d'origine française dont une partie de l'œuvre figure aujourd'hui dans les collections annexes de l'Art Brut à Lausanne.Ces dessins lui sont « dictés », sans pouvoir s'y soustraire, en même temps que les noms et les qualités des personnages. Marguerite Burnat-Provins produira ainsi près de trois mille figures.

2009-09-22T12:49:00.000-07:00

Large Interior W.11 by lucian freud

2009-09-21T13:48:00.000-07:00