ACNE LAUNCHES WHITE / ART T-SHIRT PROJECT

ACNE LAUNCHES WHITE / ART T-SHIRT PROJECT
“Acne is built on different creative disciplines, so for me to fuse fashion and art is super interesting”
Jonny Johansson

Acne in collaboration with Aileen Corkery and Laura Burlington launch the ACNE WHITE / ART T-SHIRT PROJECT, a non-profit project set up to support emerging artists. Four artists will be commissioned to interpret the Acne white t-shirt, creating limited edition t-shirt designs available at galleries and ACNE studios worldwide. The proceeds from the sale of the t-shirts will go to a fund to support emerging artists in the publishing of their first monograph - a critical study of their work. The two-year project launches with the t-shirt by London-based artist Stefan Brüggemann in Mid- November.

The Evening

Following the lunch, Acne hosted a “Fatasia Fiesta Flamenco” to celebrate the collaboration with Candy Magazine and the transvestite trangender and cross dressing collection. (See release)

Sebastien Preschoux

Sébastien Preschoux, 34 ans, vis et travaille à Paris. Pratique la double activité de graphiste et artiste. Son activité artistique est basée sur le travail de la ligne. Il produit manuellement, grâce à des outils et matériaux traditionnels, ce que la machine ou l’outil informatique peut réaliser en quelques secondes.

son site: www.m-vs-m.com.

Simon Schubert

It is quite amazing what Simon Schubert created by just making some folds in sheets of paper.

http://www.simonschubert.de/

Haroshi, gallery jonathan levine, New York, from the 16th April-14th May 2011

Haroshi makes his art pieces recycling old used skateboards. His creations are born through styles such as wooden mosaic, dots, and pixels; where each element, either cut out in different shapes or kept in their original form, are connected in different styles, and shaven into the form of the final art piece. Haroshi became infatuated with skateboarding in his early teens, and is still a passionate skater at present. He knows thoroughly all the parts of the skateboard deck, such as the shape, concave, truck, and wheels. He often feels attached to trucks with the shaft visible, goes around picking up and collecting broken skateboard parts, and feels reluctant to throw away crashed skateboards. It’s only natural that he began to make art pieces (i.e. recycling) by using skateboards. To Haroshi, his art pieces are equal to his skateboards, and that means they are his life itself. They’re his communication tool with both himself, and the outside world.

The most important style of Haroshi’s three-dimensional art piece is the wooden mosaic. In order to make a sculpture out of a thin skateboard deck, one must stack many layers. But skate decks are already processed products, and not flat like a piece of wood freshly cut out from a tree. Moreover, skateboards may seem like they’re all in the same shape, but actually, their structure varies according to the factory, brand, and popular skaters’ signature models. With his experience and almost crazy knowledge of skateboards, Haroshi is able to differentiate from thousands of used deck stocks, which deck fits with which when stacked. After the decks are chosen and stacked, they are cut, shaven, and polished with his favorite tools. By coincidence, this creative style of his is similar to the way traditional wooden Japanese Great Buddhas are built. 90% of Buddha statues in Japan are carved from wood, and built using the method of wooden mosaic; in order to save expense of materials, and also to minimize the weight of the statue. So this also goes hand in hand with Haroshi’s style of using skateboards as a means of recycling. Also, although one is not able to see from outside, there is a certain metal object that is buried inside his three-dimensional statue. The object is a broken skateboard part that was chosen from his collection of parts that became deteriorated and broke off from skateboards, or got damaged from a failed Big Make attempt. To Haroshi, to set this kind of metal part inside his art piece means to “give soul” to the statue. “Unkei,” a Japanese sculptor of Buddhas who was active in the 12th Century, whose works are most popular even today among the Japanese people; used to set a crystal ball called “Shin-gachi-rin (new moon circle)” in the position of the Buddha’s heart. This would become the soul of the statue. So the fact that Haroshi takes the same steps in his creation may be a natural reflection of his spirit and aesthetic as a Japanese.

BASQUIAT

BASQUIAT

Musée d'Art Moderne

15octobre, 30 janvier

Cette rétrospective est présentée à l’occasion du cinquantième anniversaire de la naissance de l'artiste. C'est la première de cette envergure en France.

D’origine portoricaine et haïtienne, né en 1960 à Brooklyn dans l’Etat de New York et mort à New York en 1988 à la suite d’une overdose à l’âge de vingt-sept ans, Basquiat appartient à la génération des graffiteurs qui a brusquement émergé à New York à la fin des années 70. En 1977, il commence à signer ses graffitis du nom de SAMO (pour « Same Old Shit ») accompagné d’une couronne et du sigle du copyright. Au cours de sa fulgurante carrière, sa peinture passe de la rue au tableau.

Son univers mélange les mythologies sacrées du vaudou et de la Bible en même temps que la bande dessinée, la publicité et les médias, les héros afro-américains de la musique et de la boxe, et l’affirmation de sa négritude. Il définit ainsi une contre-culture urbaine, underground, violente et anarchique, pétrie de liberté et de vitalité. En 1982, Basquiat est invité à participer à la Documenta 7 de Kassel en Allemagne. L’année suivante, il est le plus jeune et premier artiste noir à exposer à la Biennale du Whitney Museum of American Art à New York.

À partir de 1984, il réalise en commun des peintures avec Andy Warhol jusqu’à la mort de ce dernier en 1987.S’étant toujours défini comme un peintre influencé par son environnement urbain quotidien, les racines de sa pratique «expressionniste primitiviste» sont à trouver du côté d’une peinture européenne d’après-guerre, celle de Jean Dubuffet, réfractaire à l’«asphyxiante culture» ou celle de Cobra, ainsi que du côté de la grande tradition américaine de Robert Rauschenberg à Cy Twombly. Après sa mort prématurée en 1988, il laisse une œuvre considérable habitée par la mort, le racisme et sa propre destinée. Sa vie brûlante et explosive, mêlant le star-système et la révolte, a inspiré en 1996 le film « Basquiat » du peintre et cinéaste Julian Schnabel. En 1984, le musée d’Art moderne de la Ville de Paris avait déjà présenté Jean-Michel Basquiat dans une exposition collective consacrée au mouvement de la Figuration Libre France/USA, aux côtés de Robert Combas, Hervé Di Rosa, Keith Haring.

Cette rétrospective composée d’une centaine d’œuvres majeures (peintures, dessins, objets) provenant de nombreux musées et de collections particulières américains et européens, permet de reconstituer le parcours chronologique de l’artiste et de mesurer son importance dans l’art et dans l’histoire de l’art au-delà des années 80.

L’exposition Basquiat a été conçue par la Fondation Beyeler à Bâle - où elle a d'abord été présentée (9 mai - 5 septembre 2010) -, et organisée en collaboration avec le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. C'est la première exposition de cette ampleur jamais consacrée à Basquiat.

"In der Konditorei"

Marcel Hüppauff "In der Konditorei"

Du 14 octobre au 13 novembre 2010

La galerie Polad-Hardouin est heureuse d’accueillir Marcel Hüppauff pour sa première exposition individuelle à Paris du 14 octobre au 13 novembre 2010.

Après avoir participé à l’exposition Holy Destruction, Marcel Hüppauff, comme l’ensemble de ses condisciples de cette nouvelle génération de peintres, assume avec intensité et agressivité la peinture comme moyen et but.

Né en 1972 à Stuttgart, Marcel Hüppauff suit d’abord un classique cursus d’histoire de l’art, avant de participer, à Hambourg aux activités alternatives de l’Akademie Isotrop, avec notamment des artistes comme André Butzer ou Jonathan Meese.

Dans cette lignée et sous l’influence tutélaire d’un Asger Jorn, Marcel Hüppauf nous propose, pour cette exposition au titre intrigant et ironique « In der Konditorei » (A la pâtisserie), de savoureuses et étranges confiseries.

Plongée dans un ensemble aux couleurs sourdes, dominantes de bleu et de vert, l’ambiance est délibérément nocturne. On assiste à de mystérieuses sarabandes, conférences d’oiseaux, épouvantails, fantômes, lutins facétieux, maisons hantées, montagnes, forêts… Enfin, un homme apparaît. Le regard ahuri, comme perdu, il sera le seul homme présent de cette exposition mais en toile de fond : encore des animaux fantasmagoriques qui sont autant de rêves que de souvenirs. Pourtant, si l’on regarde attentivement la nuit de Marcel Hüppauff, elle n’est pas faite d’inquiétude, au contraire son monde est tendre, enfantin, débordant d’exubérances. D’ailleurs sa touche est fluide, rapide, parfois presque inachevée proche d’un coloriage....

Marcel Hüppauff, tel un Saint François d’Assise, préfère le langage poétique des oiseaux à celui des hommes, il avoue d’ailleurs : « Maybe the birds are angels or maybe the angels are birds... but in the end it’s all just color and canvas. »

Jonathan Callan

Jonathan Callan est un artiste anglais né à manchester et maintenant basé à Londres. Son travail est tout à fait varié,cependant beaucoup de ses œuvres utilisent des livres et le papier comme un moyen sculptural.
D'autres œuvres utilisent le livre blanc simple combiné avec la colle ou le plâtre pour créer une forme seule. Callan est actuellement représenté par le fourgon kudlek der grinten la galerie à Cologne.

SOUS LE MANTEAU, Etienne-Martin, Beaubourg

MUSÉE NATIONAL
D’ART MODERNE
GALERIE DU MUSÉE,

"SOUS LE MANTEAU "
DU 23 JUIN
AU 13 SEPT. 2010
"Identifié dès 1960 à ses Demeures, étranges
sculptures-habitats conçues pour être vi-
sitées « en imagination » par le spectateur,
célèbre pour être l’auteur du Manteau (1962,
voir ci-contre), première sculpture en tissu
de l’histoire de l’art moderne, Étienne-
Martin (1913-1995) est pourtant resté
longtemps une figure à part du monde de
l’art parisien, à la fois débonnaire et énig-
matique. Le Centre Pompidou lui consacre
aujourd’hui un hommage à travers la pré-
sentation d’un ensemble de quinze sculp-
tures, des dessins, des carnets personnels
et des photographies de son atelier.
C’est dans la matière de ses souvenirs
d’enfance, liés à sa maison natale de
Loriol, dans la Drôme, que l’artiste re-
connaîtra lui-même avoir construit son
œuvre. Il établit entre ses sculptures et cet-
te première demeure des correspondances
qu’il est souvent le seul à pouvoir déchif-
frer. Fasciné par l’œuvre et le personnage,
le célèbre commissaire d’exposition Harald
Szeemann fera de lui l’un des artistes clés
de la section « Mythologies individuelles »
qu’il met en scène à la Documenta V de
Kassel, en 1972. " extrait programme expo

Babeth rambault

La peau de l'ours, 2002
Lit de pull pour chambre froide, 2003

http://babeth.rambault.free.fr/lit%20de%20pull.html

ESTELLE HANANIA MYRIORAMA 20.05 au 30.06 FAT GALLERIE

"MYRIORAMA est la seconde exposition personnelle d’Estelle Hanania à la FAT Galerie: l’exposition a lieu du 20 mai au 30 juin 2010.

Le travail photographique de cette artiste puise sa matière dans les cultures et traditions populaires, rituels païens, et autres célébrations ancestrales encore pratiquées de nos jours. Explorant les rapports entre homme et nature, elle suit les traces de cortège mi-humain mi-végétal. A travers son objectif, la photographe retranscrit l'aspect primitif et fondamental de ces cultes étranges. Les images frôlent l’abstraction. Se dressent de gigantesques personnages aux longs poils blancs et noirs faisant onduler dans une transe impressionnante leur corps devenus de vraies sculptures transgenres et inquiétantes.

Tout aussi sauvages, des masques composés d’oiseaux entiers déployant leurs ailes,
gigantesques assemblages organiques, semblent prendre leur envol.

Estelle Hanania est née en 1980. Elle vit et travaille à Paris.
Diplômée du DNSAP, Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris et de l'Ecole Estienne d’Arts graphique de Paris. Elle a participé à de nombreuses expositions en France et à l'étranger.

La galerie & Estelle Hanania remercient PICTO de son soutien

Dossier de presse disponible sur demande:
aurelia@fatgalerie.com ou 01 44 54 00"
Extrait de la bio sur le SITE
http://fatgalerieactu.blogspot.com/

ESTELLE HANANIA MYRIORAMA 20.05 au 30.06 FAT GALLERY

"MYRIORAMA est la seconde exposition personnelle d’Estelle Hanania à la FAT Galerie: l’exposition a lieu du 20 mai au 30 juin 2010.

Le travail photographique de cette artiste puise sa matière dans les cultures et traditions populaires, rituels païens, et autres célébrations ancestrales encore pratiquées de nos jours. Explorant les rapports entre homme et nature, elle suit les traces de cortège mi-humain mi-végétal. A travers son objectif, la photographe retranscrit l'aspect primitif et fondamental de ces cultes étranges. Les images frôlent l’abstraction. Se dressent de gigantesques personnages aux longs poils blancs et noirs faisant onduler dans une transe impressionnante leur corps devenus de vraies sculptures transgenres et inquiétantes.

Tout aussi sauvages, des masques composés d’oiseaux entiers déployant leurs ailes,
gigantesques assemblages organiques, semblent prendre leur envol.

Estelle Hanania est née en 1980. Elle vit et travaille à Paris.
Diplômée du DNSAP, Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris et de l'Ecole Estienne d’Arts graphique de Paris. Elle a participé à de nombreuses expositions en France et à l'étranger.

La galerie & Estelle Hanania remercient PICTO de son soutien

Dossier de presse disponible sur demande:
aurelia@fatgalerie.com ou 01 44 54 00"
extrait

lucian freud, l'atelier

Expositions au Centre

Pompidou 10 mars - 19 juillet 2010
11h00 - 21h00


"Lucian Freud, aujourd'hui âgé de 88 ans, est une figure de la peinture contemporaine. Cet artiste, parmi les peintres vivants les plus importants au monde, n'avait pas été exposé en France depuis la première rétrospective que lui avait consacrée le Centre Pompidou en 1987. Hommage inédit, l'exposition présente un ensemble exceptionnel de tableaux retraçant son œuvre : une cinquantaine de peintures de grand format, complétées par une sélection d'œuvres graphiques en provenance, pour la plupart, de collections particulières, ainsi que des photographies de l'atelier londonien de l'artiste." extrait du catalogue

A'N'D

"Azumi and David both studied fashion at Central Saint Martins, London but met in The Troubadour Coffee House, in London's Earl's Court in May 1995. They got married in Hackney Town Hall, London on March 10th, 2000 and had their wedding reception on October 14th, 2001 in Nagano, Japan. They celebrate birthdays on the 8th and 10th April, designating April 9th as A'N'D day.


Since first coming together in 1995, Azumi and David have progressed through a variety of creative projects - initially with limited edition artist's books and performance art, moving gradually on to fashion and accessory associated 'things to wear'."

extrait du site
http://www.azumianddavid.com

ACNE debut Furniture Collection Autumn/Winter 2010-2011

January 24th at Hotel POZZO DI BORGO , Paris

"Furniture has always been my world and it is my history as a designer, where I began creatively. Sometimes I an asked wheat is Swedish design, and i always think of the creative Collective-The NK Group- an incredibly influential collective of furniture designers, based in Stockholm during the 1920's to the 1940's. The NK Group is what Swedish design encapsulates for me -functionality, creativity, object and craftmanship." Jonny Johansson
Extrait du dossier de presse

Andy Goldsworthy, Woven beech, 1986

Andy Goldsworthy est un artiste britannique, né dans le Cheshire le 26 juillet 1956, qui produit des sculptures dédiées à des sites spécifiques urbains ou naturels. Il est l'un des principaux artistes du Land Art et utilise des objets naturels ou trouvés pour créer des sculptures éphémères ou permanentes qui font ressortir le caractère de leur environnement.À l'instar de nombreux artistes du Land Art, Andy Goldsworthy considère ses œuvres comme de l'« art éphémère », le temps de dégradation pouvant varier de quelques secondes à plusieurs années : sculptures de glace qui ne durent qu'une saison, sculptures de sable sur une plage disparaissant à la première marée, constructions de pierre ou de métal qui ne subissent qu'une entropie naturelle.

La Maison aux miroirs de Clarence Schmidt (1897-1978) à Woodstock (détruite).

Clarence Schmidt, né en 1898, maçon dans l'Etat de New York, a consacré douze heures par jour pendant trente ans à l'édifications d'un ensemble architectural dans un vaste parc qui a lui même fait l'objet d'interventions singulières.
Cet ensemble a été malheureusement détruit par un incendie. La partie maîtresse était une maisonde sept étages et de trente-cinq pièces.